THE MET X RHINOSHIELD – Kunstgeschichte trifft auf Schutz

The Met präsentiert über 5.000 Jahre Kunst aus aller Welt, die für jeden erlebbar und zugänglich ist. Seit seiner Gründung im Jahr 1870 hat The Met stets den Anspruch verfolgt, mehr als nur eine Schatzkammer seltener und schöner Objekte zu sein. Jeden Tag wird Kunst in den Galerien des Museums sowie durch Ausstellungen und Veranstaltungen lebendig – sie eröffnet neue Ideen und unerwartete Verbindungen über Zeiten und Kulturen hinweg.

Clara Peeters (flämisch, ca. 1587 – nach 1636) war eine wegweisende Persönlichkeit in der Geschichte des europäischen Stilllebens – ein Genre, das viele Künstlerinnen anzog, denen das Studium an Aktmodellen verwehrt blieb. In dieser anspruchsvollen Komposition mit dem Titel Blumenstrauß (ca. 1612) widmete Peeters naturalistischen Details wie Tautropfen, Insektenfraß und welkenden Tulpen, die an Vergänglichkeit und Verfall erinnern, größte Aufmerksamkeit. Zugleich unterstrich sie ihre eigene künstlerische Leistung, indem sie ihre Signatur in die Steinleiste ritzte – unmittelbar neben einem herabgefallenen Zweig Vergissmeinnicht. Die präzisen Konturen und die scharfe Beobachtungsgabe, die ihr Werk auszeichnen, verdeutlichen die enge Verbindung zwischen Blumenmalerei und botanischer Illustration im Zeitalter der Wissenschaftlichen Revolution.

Das 1883 registrierte und um 1917–1923 gedruckte Textildesign Strawberry Thief zählt zu den ikonischsten Schöpfungen von William Morris (britisch, 1834–1896). Die Inspiration für dieses kaleidoskopische Muster in der Sammlung von The Met stammt aus dem Landsitz des Designers, Kelmscott Manor, wo eine Gruppe diebischer Drosseln regelmäßig die Erdbeeren aus seinem Garten stibitzte.

William Morris (britisch, 1834–1896) entwarf 41 Tapeten- und fünf Deckenmuster – ab 1862 im Rahmen von Morris, Marshall, Faulkner, and Company und ab 1875 mit Morris & Company. Das erstmals 1872 gefertigte Design Jasmine nutzt drei Grüntöne, akzentuiert durch Gelb und Braun. Ein Muster aus Weißdornblättern, Blüten und Zweigen rankt sich um einen kunstvoll verdeckten, vertikalen Mäander und wird durch geschwungenen Jasmin ergänzt. Das Unternehmen bot zudem eine Farbvariante des Motivs mit gelben Blättern auf blassgrünem Grund an.

William Morris (britisch, 1834–1896) entwarf 41 Tapeten- und fünf Deckenmuster – ab 1862 gemeinsam mit Morris, Marshall, Faulkner, and Company und ab 1875 mit Morris & Company. Das in The Met vertretene Willow Bough, ein im Blockdruckverfahren hergestelltes Tapetendesign aus dem Jahr 1887, entwickelte sich mit seinen ineinander verschlungenen grünen Weidenblättern und braunen Zweigen auf cremefarbenem Grund zu einem seiner zeitlosesten Muster.

Diese poetische Darstellung eines sternenübersäten Himmels wurde um 1905–1908 von Henri-Edmond Cross (Henri-Edmond Delacroix) (französisch, 1856–1910) gemalt. Das Werk vereint die langen, unterbrochenen Pinselstriche von Cross’ Spätphase mit einer stimmungsvollen, dämmrigen Landschaft in Feder und Tinte, die in ihren impressionistischen Formen an die japanische Malerei erinnert.

Claude Monets (französisch, 1840–1926) Morgen an der Seine bei Giverny (1897), heute Teil der Sammlung von The Met, gehört zu einer größeren Serie mit dem Titel Morgen an der Seine (Matinées sur la Seine). Nachdem er geduldig Motive entlang des Flussufers erkundet hatte, malte Monet die Bilder von einem Boot aus, das er zu einem schwimmenden Atelier umfunktioniert hatte. Über einen längeren Zeitraum stand er im Morgengrauen auf, um die wechselnden Lichtstimmungen bei Sonnenaufgang einzufangen. Anschließend arrangierte er die Leinwände nebeneinander auf Staffeleien in seinem Atelier, um die Serie in harmonischem Einklang zu vollenden.

1893 erwarb der Maler und passionierte Gärtner Claude Monet (französisch, 1840–1926) ein Grundstück mit Teich unweit seines Wohnhauses in Giverny. Mit dem Ziel, das Anwesen in etwas zu verwandeln, das „sowohl dem Vergnügen des Auges als auch als Bildmotiv dienen sollte“, schuf er seinen berühmten Seerosengarten. Das in The Met ausgestellte Werk Seerosen (1919) zählt zu den späteren Arbeiten des gefeierten Impressionisten, die ein Kritiker seinerzeit treffend beschrieb: Seerosen, die „in voller Blüte erstrahlen … ihre goldenen Scheiben, von Purpur umhüllt, heben sich vom trüben Wasser ab.“

In diesem Farbholzschnitt aus dem Jahr 1857 von Utagawa Hiroshige (japanisch, 1797–1858) sitzt eine Katze am vergitterten Fenster eines Hauses nahe dem Vergnügungsviertel Shin-Yoshiwara im östlichen Edo (heute Tokio). Während der Berg Fuji am Horizont emporragt, strömen Menschenmassen zum Washi-Daimyōjin-Schrein (Ōtori-Schrein), um am Torinomachi-Fest teilzunehmen, das an den zwei (gelegentlich drei) Tagen des Hahns im elften Monat des Mondkalenders gefeiert wurde. Unten links im Raum liegt ein Set rechenförmiger Haarnadeln – Festtags-Präsente, die vermutlich ein Besucher für eine Kurtisane erworben hatte. In der Vormoderne stand das Yoshiwara-Viertel an den Festtagen von Torinomachi allen offen, was für die Bewohnerinnen der Halbwelt besonders geschäftige Tage bedeutete.

In der Tradition der japanischen Landschaftsmalerei steht eine leuchtend rote Scheibe für die aufgehende Sonne, insbesondere zum Neujahrsfest. Eine Hängerolle wie Aufgehende Sonne (zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts) aus der Sammlung von The Met von Shibata Zeshin (japanisch, 1807–1891) war für eine Bildnische (Tokonoma) im Frühjahr bestimmt. Es ist bekannt, dass Zeshin mehrere Variationen dieses Motivs schuf.

Dieser erhabene Farbholzschnitt aus den Jahren um 1830–1832 stammt aus Katsushika Hokusais (japanisch, 1760–1849) berühmter Serie 36 Ansichten des Berges Fuji. Die von Hokusai meisterhaft angewandte Aizuri-Technik verbindet verschiedene Blaunuancen mit sanften Hügeln, zarten Wolken und ruhigen Gewässern zu einer Komposition von großer Ruhe. Völlig frei von menschlichen Figuren offenbart dieser Druck die zeitlose Aura der japanischen Landschaft rund um den Berg Fuji.

Die Ursprünge der Blau-Weiß-Keramik in Vietnam liegen weitgehend im Verborgenen; die Aufnahme dieses Stils in das Repertoire wird jedoch häufig auf die kurze chinesische Besatzung zu Beginn des 15. Jahrhunderts zurückgeführt. Das Pfingstrosendekor im Zentrum dieses vietnamesischen Tellers aus dem 15. Jahrhundert und die Art ihrer malerischen Ausführung spiegeln das Wissen um frühere chinesische Traditionen wider. Vietnamesische Töpfer, die den chinesischen Stil des 14. Jahrhunderts bis weit ins 16. Jahrhundert hinein pflegten, konkurrierten insbesondere in Südostasien häufig mit den Brennöfen aus Jingdezhen um Absatzmärkte.

Mit Kobaltblau unterglasurbemaltes weißes Porzellan, ein Stil, der im China des 14. Jahrhunderts erstmals florierte, gilt als die wohl bedeutendste Entwicklung in der Geschichte der Keramik. Diese chinesische Schale aus der Sammlung von The Met zeichnet sich durch ein zentrales Dekor eines Drachen inmitten von Wellen aus und trägt die Marke der Xuande-Periode (1426–1435) der Ming-Dynastie (1368–1644).

Cross malte im neoimpressionistischen Stil, der vor allem in Frankreich zwischen 1886 und 1906 seine Blüte erlebte. In seinen sonnendurchfluteten Werken wandte er die Technik einzelner Farbtupfer (Tâches) an. Im Zuge seiner künstlerischen Weiterentwicklung und der Hinwendung zur Aquarellmalerei wurden seine Pinselstriche freier und seine Farbpalette sanfter.

Diese atemberaubende Komposition begründet ihren Weltruhm als zeitlose Ikone der Kunstgeschichte. Hokusai spielte virtuos mit der Perspektive, sodass Japans mächtigster Berg wie ein kleiner, dreieckiger Hügel im Tal der sich brechenden Welle erscheint. Berühmt wurde der Künstler für seine Landschaften, die er mit einer Palette aus Indigo und importiertem Berliner Blau (Preußischblau) gestaltete.

Als einer der renommiertesten Landschaftskünstler Japans schuf Hiroshige zwei enorm populäre Holzschnitt-Serien, darunter Hundert berühmte Ansichten von Edo, zu der dieses Blatt gehört.

Regierungsbeamte der chinesischen Ming- und Qing-Dynastien trugen quadratische Rangabzeichen, die auf die Vorderseite ihrer Gewänder genäht waren. Diese Abzeichen waren für Zivilbeamte mit Vögeln und für Militäroffiziere mit Tieren bestickt – jedes Geschöpf stand dabei für einen bestimmten Rang. Als Symbol für Autorität und Mut zierte der Tiger in der Ming-Dynastie das Abzeichen eines leitenden Kommandeurs und in der Qing-Dynastie das eines stellvertretenden Regimentskommandeurs.

Dieser dynamische Drache (Long) zieht sich kraftvoll über einen goldenen Fond. Der bräunlich-grüne Faden an Körper und Kopf des Drachen besteht kunstvoll aus echten Pfauenfedern.

Westliche Gefäßformen wurden von der Niederländischen Ostindien-Kompanie in Auftrag gegeben. Japanische Kunsthandwerker erhielten dafür Holzmodelle, europäische Stücke oder Zeichnungen als Vorlage. Hier verbindet sich der als Kakiemon bekannte japanische Dekorstil auf elegante Weise mit einer westlichen Form.

Anfang der 1890er-Jahre wurde Renoir von der französischen Regierung beauftragt, ein Gemälde für ein neues Pariser Museum zu schaffen – das Musée du Luxembourg, das der Kunst lebender Meister gewidmet sein sollte. Er wählte zwei Mädchen am Klavier als sein Motiv. Im Bewusstsein, dass dieses Werk intensiv begutachtet werden würde, widmete Renoir dem Projekt außergewöhnliche Hingabe und verfeinerte die Komposition in einer Serie von fünf eigenständigen Leinwänden.

Degas malte diese anspruchsvolle Figurenkomposition im Jahr 1874. Die Tanzklasse zeigt rund 24 Frauen – Ballerinen und deren Mütter –, die darauf warten, dass eine Tänzerin eine Attitude für ihre Prüfung vor dem Ballettmeister Jules Perrot ausführt. Degas bereitete das Gemälde mit zahllosen Zeichnungen vor, die in seinem Atelier entstanden, während die Tänzerinnen für ihn posierten.

Während seines Erholungsaufenthalts in der Heilanstalt von Saint-Rémy war Van Gogh tief von Zypressen fasziniert. Dieses energiegeladene Gemälde zählt zu seinen lebendigsten Kompositionen mit den emporragenden Bäumen. Der für gewöhnlich sehr selbstkritische Künstler stufte diese Arbeit selbst als eine seiner „besten“ Sommerlandschaften ein.

Dieses gefeierte Werk – ehemals in der Privatsammlung des Impressionisten und leidenschaftlichen Gärtners Claude Monet (französisch, 1840–1926) – gilt als eines der herausragendsten Stillleben Cézannes aus den 1890er-Jahren. Für den Künstler war es selten, blühende Pflanzen darzustellen, da sie während seines langwierigen, akribischen Malprozesses leicht verwelken konnten.

Komposition ist ein frühes Beispiel für jene geometrische Form der Malerei, die Mondrian als Neoplastizismus bezeichnete. Für Mondrian stellte der Neoplastizismus einen universellen Stil dar, da dessen Betonung planarer Beziehungen gleichermaßen auf Design und Architektur übertragen werden konnte.

Hierbei handelt es sich um Seurats finale Ölstudie für sein monumentales Gemälde über Pariser Ausflügler auf einer Seine-Insel. Kontrastierende Pigmente werden mit kleinen, fleckenartigen Pinselstrichen miteinander verwoben. In der zwei Jahre später auf der Impressionisten-Ausstellung von 1886 gezeigten, wandgroßen Parkszene verwendete Seurat hingegen feinere, punktförmige Farbtupfer – eine Technik, die als Pointillismus bekannt wurde (nach dem französischen Begriff point für Punkt). Er selbst bevorzugte die Bezeichnung Divisionismus – das Prinzip, Farben in feine, nebeneinander liegende Tupfen zu zerlegen, die erst im Auge des Betrachters miteinander verschmelzen.

Als leidenschaftlicher Gärtner gestaltete Monet seinen malerischen Seerosengarten in Giverny über viele Jahre hinweg – und hielt ihn in Meisterwerken wie Brücke über den Seerosenteich (1899) fest. Das stimmungsvolle Werk ist eine von rund einem Dutzend Ansichten der hölzernen Brücke über dem Teich, die der Impressionist im Sommer 1899 schuf.

Monet verbrachte den Sommer 1867 mit seiner Familie in Sainte-Adresse, einem Küstenort nahe Le Havre. Dort malte er diese heitere, sonnendurchflutete Szene moderner Freizeit, für die sein Vater (sitzend mit Panamahut) und weitere Verwandte Modell standen. Durch die Wahl eines erhöhten Blickwinkels und die Aufteilung von Terrasse, Meer und Himmel in drei markante Bänder leuchtender Farben betonte Monet die flache Bildfläche. Dieser für seine Zeit kühne Ansatz spiegelt seine große Bewunderung für japanische Farbholzschnitte wider.

Die Wortmarken von The Met sind eigenständige Entwürfe, die Serifen- und serifenlose, klassische und moderne Schriftzeichen harmonisch zusammenführen. Die Linienführung ist fließend, poetisch und unverwechselbar – vergleichbar mit einer persönlichen Signatur. Als gestalterisches Symbol für 5.000 Jahre globaler Kulturgeschichte schlägt diese elegant ausgearbeitete Marke zugleich die Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft.